St. Paul und die gebrochenen Knochen über die Macht der Musik – Fernweh

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„Ich weiß, es ist alles kaputt / Ich muss mich nicht konzentrieren / Ich kann nicht sagen, was richtig oder falsch ist“, singt Paul Janeway, Frontmann der Soulband St. Paul and the Broken Bones aus Alabama.

„Das ist ein Gefühl, mit dem ich mich wirklich identifizieren kann – ich denke, wir können uns alle damit identifizieren“, sagt Andrew, der Schlagzeuger der siebenköpfigen Band. Andrew ist in seinem Hotel in St. Petersburg, Florida, als ich anrufe. Es ist Nachmittag, die Nacht nach einer großen Show in Orlando, und die Band wird an diesem Abend wieder spielen. Sie tourten mit ihrem neuesten Album, Meer des Lärmsseit September „ohne Pausen und mit viel Hilfe von Besuchen beim Chiropraktiker“, scherzt Andrew.

Die Nachmittage auf der Tour dienen der Entspannung und Zeit für sich allein, obwohl „manchmal trifft man einen der Typen im Café – das ist irgendwie unvermeidlich“, lacht er. Es ist wichtig, sich diese Zeit zum Nachdenken zu nehmen, wenn man so lange mit derselben Crew auf Tour ist, aber Andrew berichtet, dass es eine große Energie in der Gruppe gibt. „Jeder ist so verschieden, und jeder von uns bringt etwas anderes mit auf den Tisch“, sagt er.

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Die Macher der Musik

St. Paul and the Broken Bones wurde im April 2012 gegründet und bestand ursprünglich aus Paul Janeway, Jesse Phillips und Andrew Lee. Jesse und Paul schrieben einige Melodien und Jesse, der mit Andrew in einer Psych-Rock-Band gespielt hatte, lud ihn ein, mitzumachen.

„Vieles davon war die Bereitschaft, zu vielen Dingen Ja zu sagen“, sagt Andrew. „Manchmal macht es einfach Klick.“

Und mit diesen drei musikalischen Kräften tat es das auf jeden Fall. In ihren Anfängen waren St. Paul and the Broken Bones eine schnörkellose Operation, die eher wie eine „Garage-Soul-Band“ funktionierte. Jetzt bestehen sie aus sieben Spielern, darunter zwei Hörner, Bass, Gitarre, Schlagzeug und Gesang.

„Wir spielten unsere erste Show in Alabama vor ungefähr fünf Leuten bei 112 Grad Hitze“, erinnert sich Lee. Als sie mit ihrem Set fertig waren, fühlten sie sich „einfach in Ordnung“. Dass ihre Musik eines Tages das Publikum zu Jubel und Tränen bringen würde, ahnten sie keineswegs. Bei der nächsten Show jedoch das Publikum brüllte. Die Reaktion war so heftig, dass sie dachten: „Nun, vielleicht müssen wir das einfach zum Laufen bringen.“ Die Leute kanalisierten die rohen Emotionen und den Geist, die sie in ihrer Aufführung besaßen. Es war elektrisch.

Der Name ist sowohl eine satirische Anspielung auf die Vorstellung von Heiligkeit, die zweifellos von der religiösen Erziehung des Bandmitglieds angespornt wurde, als auch eine Hommage an einen der frühesten Songs der Band mit dem Titel „Broken Bones and Pocket Change“. Eine wiederkehrende Zeile ist „Gebrochene Knochen und Kleingeld / ist alles, was sie mir hinterlassen hat.“

Der Song ist im Vergleich zu einigen der volleren Tracks ihrer späteren Arbeit rau und gedämpft und weckt Gefühle von Sehnsucht und Trauer, aber auch von Freude und tiefer Leidenschaft. Man hat das Gefühl, dass die Musik ein Akt des Auferstehens aus der Asche einer verlorenen Liebe ist. Am Ende einer Liebe bleiben dir Kunst und Ausdruck, um dich wieder aufzurichten. Paul ist eine Naturgewalt, die alles aufs Spiel setzt, damit wir es hören und mit ihm fühlen können. Es ist, als hätte diese Offenbarungsmusik schon immer existiert, als besäße sie eine angeborene menschliche Wahrheit und beschwöre gleichzeitig etwas Frisches und Neues herauf. Man hat das Gefühl, dass das Spielen sowohl für die Band als auch für das Publikum ein kathartischer Akt ist.

Ich frage Andrew, ob er denkt, dass große Kunst aus Leid entstehen muss. Er zitiert ein Gedicht aus Der Prophet des libanesisch-amerikanischen Philosophen und Schriftstellers Kahlil Gibran mit dem Titel „Über Freud und Leid,” sagt, dass “Je tiefer sich dieser Kummer in dein Wesen eingräbt, desto mehr Freude kannst du zurückhalten.“ Musik hat die Fähigkeit, dich zu einer höheren Liebe zu führen. Es gibt Freude, auch wenn es traurig ist.

„Es ist eine natürliche Dichotomie“, sagt er. „Du kannst Licht ohne Dunkelheit nicht haben.“

Die Songs der Band veranschaulichen diese Vorstellung, ähnlich wie der Sound der Southern-Soul-Musiker der 60er und 70er Jahre, wie Otis Redding und Al Green. Die Musik drückt einen tiefen Schmerz aus, ist aber gleichzeitig erhebend. Sie machen Lust auf Tanzen und Weinen zugleich.

Andrew spricht poetisch und schafft häufig Analogien zur Kunst einer großen Tasse Kaffee. Seine Stimme ist gemessen und rhythmisch, als würde er leise am anderen Ende der Leitung trommeln. Er wuchs wie die Mehrheit der Bandmitglieder in einem religiösen Haushalt auf und meditiert darüber, wie sich dies auf ihre Musik ausgewirkt hat.

„Es ist seltsam, wenn man blind an etwas glaubt“, sagt er, „nur um festzustellen, dass es nicht ganz so war, wie man dachte. „Das soll nicht heißen, dass ich nicht zutiefst spirituell bin.“ Musik selbst ist ein spirituelles Ventil und ist gleichzeitig erdend und transzendent. Wenn Sie einen Nerv treffen, ist es erstaunlich, die Reaktion derer zu sehen, die von Ihrer Kunst berührt sind.

„Viele Leute haben bei unseren Shows geweint“, fährt Andrew fort.

Er beschreibt den Schreibprozess der Band ähnlich wie „Dinge an die Wand zu werfen und zu sehen, was hängen bleibt“. Wenn sie nicht alle gleichzeitig zusammen sein können, schicken sie sich gegenseitig Mediendateien über Garageband und spielen die Ideen der anderen aus. Idealerweise kommt die Band jedoch zusammen, um zu schreiben.

„Wo Sie spielen und zu welcher Tageszeit Sie spielen, macht einen großen Unterschied“, sagt Lee. „Manchmal fallen einem während eines Soundchecks Dinge ein, und das bleibt hängen. Janeway schreibt alle Texte, die laut Lee oft fast „prophetisch“ sind.

Meer des Lärms ist ein Schritt von der Seelenerweckung entfernt. Es scheint, dass die Band ihre Stimme gefunden hat und sie nutzt, um aktuelle Themen anzusprechen. Der Sound ist voller und die Texte fragend, suchend. Es gibt keine Antworten auf die Fragen, sondern wir sind bei Janeway, der nach Sinn sucht. In dem Lied “Heiligen” er singt:

Was nützt eine Kugel ohne Waffe? Was nützt eine Blume ohne Sonne? / Oh, aber ich will etwas Echtes fühlen. / Was nützt ein Licht ohne Dunkelheit? Was nützt ein König ohne Kreuz? / Oh, aber ich will etwas Echtes fühlen / Gibt es ein Recht, wenn alles falsch ist? Gibt es einen Partner, wenn man alleine gelassen wird? / Oh, aber ich will etwas Echtes fühlen.

Obwohl die Texte philosophisch und emotional geladen sein mögen, hat die Band einen großartigen Sinn für Humor. Als Antwort auf meine Frage nach Backstage-Ritualen lacht Andrew: „Nun, letzte Nacht haben sich ein paar Jungs Star Wars-Clips angesehen, also …“ Er beschreibt das Gefühl, in der Menge zu sein, wenn man jung ist und auf eine Band wartet Sie bewundern es zutiefst, auf die Bühne zu gehen, und wie in diesen Momenten voller Energie und Vorfreude die Band fast göttlich oder jenseitig wirken kann.

„Und währenddessen schauen wir hinter der Bühne zu Herr Trollolo. Kennen Sie Herrn Trololo?“ er fragt. Er sagt mir, dass es ein Bandfavorit ist, und als ich mir den Clip ansehe, wird mir klar, dass die Energie hinter der Bühne vor einer Show fröhlich und unbeschwert ist.

Es gibt keine Dunkelheit ohne das Licht.

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Jillian Billard ist Dichterin, Yogalehrerin, Cellistin und begeisterte Wanderin. Als gebürtige New Yorkerin wird sie oft dabei erwischt, wie sie von weitläufigen grünen Feldern und Bergen träumt. Sie hat ihre Ausbildung und Zertifizierung als Ashtanga-Yogalehrerin in Goa, Indien, erhalten und arbeitet im Laughing Lotus Yoga Center in Brooklyn. Man findet sie oft mit ihrem Kopf in einem Buch vergraben, das in Lavendel getaucht ist. Folgen Sie ihr auf ihrer (sehr neu entwickelten) Instagram-Seite für Unterrichtspläne und Updates unter @jillboyoga.